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Nous vous invitons à prendre un verre jeudi 4 mai à partir de 18h au Plac'art Photo (12 rue de l'Eperon, 75006 Paris) pour le vernissage de l'exposition de Shinya Arimoto,Tokyo Circulation.

"Alors que cela fait plus de vingt ans que j’ai emménagé à Tokyo, je ne suis jamais lassé de voir la ville qui, jour après jour, fluctue et grandit. D’un autre côté, c’est devenu difficile de saisir l’incarnation de notre véritable humanité – peut-être que cette perte est une conséquence d'une prolifération urbaine moderne sans contrôle.

Il y a des années, pendant que je photographiais et vivais parmi les nomades au Tibet, j’étais frappé par la façon dont ils vivent et cohabitent profondément avec la Terre. J’ai affiné ce sentiment à travers la réalisation de portraits de personnes que j’ai rencontrées. Comparés à mes expériences là-bas, j’ai senti que, en tant que sujets photographiques,  les citoyens de Tokyo, à travers le confort de la vie moderne, étaient dépourvus de quelque chose que le Tibet possède naturellement.

Mais était ce réellement cela ?

Celui qui s'efforce de bien observer Tokyo devrait pouvoir déceler ceux dont la vitalité reflète une nature humaine commune rayonnant partout dans la ville. Cette conviction m’a conduit à entreprendre de rechercher quotidiennement avec mon appareil photo ceux qui existent et s'épanouissent au sein de leur habitat naturel urbain.

En effet, dix années ont passé et à mes yeux la dense agitation de Tokyo est un écosystème avec une circulation magnifique."

Shinya Arimoto

BIOGRAPHIE

Shinya Arimoto est né en 1971 à Osaka, au Japon. Il débute une carrière de photographie en freelance après l’obtention de son diplôme à l’Ecole d’Arts Visuels d’Osaka, en 1994. Son travail, conduit durant cinq ans au Tibet, a gagné le 35^ème Prix Taiyo avec Un Portrait du Tibet, publié en 1999. Aujourd’hui, il est basé à Tokyo, où il participe activement à des expositions individuelles et collectives au Japon et à l’étranger. Il continue de gérer sa propre Galerie à Tokyo, Totem Pole Photo, et auto-publie des livres de photographie. Ses principales publications précédentes comprennent : Un Portrait du Tibet (1999) et Ariphoto Selection vol.1-vol.7 (TPPG 2010-2016). En 2017, il est récompensé du 26 ème prix Tadahiko Hayashi ainsi que du prix d’Excellence pour son œuvre de la Société photographique du Japon.

We invite you to join us Thursday May 4th to share a drink starting 6 pm at Le Plac'art Photo (12 rue de l'Eperon, 75006, Paris) for the opening of Shinya Arimoto's exhibition, Tokyo Circulation.

"While it’s been more than twenty years since moving to Tokyo, I’ve never grown tired of seeing, day by day, the city that fluctuates and grows. But on the other hand, it has become hard to capture the embodiment of our true humanity -  perhaps this loss is a consequence of our unchecked modern urban proliferation.

Years ago, while I was photographing and living among nomads in Tibet I was struck by the way in which those there live and coexist powerfully with the earth. I honed this feeling through making portraits of the people I encountered. Compared with my experiences there I felt that, as photographic subjects, through the convenience of modern life the citizens of Tokyo lacked something that those in Tibet naturally possessed.

But was this really so?

If one makes a careful effort to observe Tokyo, it should be possible to detect those whose vitality reflects the shared human nature that radiates throughout the city. This belief led me to begin a daily attempt to seek out with my camera those who exist and thrive within their natural, yet urban, habitat.

Indeed, ten years have passed and in my eyes the dense sprawl of Tokyo is an ecosystem with magnificent circulation."

Shinya Arimoto

 
PROFILE

Shinya Arimoto, born in 1971 in Osaka, Japan. He began a freelance photography career upon graduation from the School of Visual Arts Osaka in 1994. His work, taken over five years in Tibet, won the 35th Taiyo Award in "Portrait of Tibet”, published in 1999. Today he is based in Tokyo, where he energetically participates in solo and group exhibitions in Japan and abroad. He continues to administer his own gallery in Tokyo, Totem Pole Photo, and self-publishes photography books. His major previous publications include : A Portrait of Tibet (Visual Arts, 1999) and Ariphoto selection vol.1- vol.7 (TPPG 2010 - 2016). Additionally, he serves as a lecturer of photography at the School of Visual Arts Tokyo. In 2017, he is awarded the 26th Tadahiko Hayashi Award and the Photographic Society of Japan's Lifetime Achievement Award.

A NE PAS MANQUER : 3 SEANCES DE SIGNATURES,

3 livres à découvrir de photographes contemporains aux regards sensibles et variés :

Path in Between d'Hajime Kimura présente un témoignage personnel sur les traces de sa famille et de son père, autant de souvenirs restranscripts dans des nuances photographiques évanescentes et fragiles, tour à tour au grain d'un gris diffus ou dans de forts contrastes noir et blanc.

Le suédois Martin Bogren donne à voir avec Italia un portrait en noir et blanc lyrique de l'Italie contemporaine, hommage photographique aux personnes rencontrées et lieux parcourus dans ce pays.

Avec Revoir, JH Engström revisite Trying to dance, replongeant dans ses négatifs entre le milieu des années 1990 et le début des années 2000, entre les Etats-Unis et l'Europe, aux confins de l'urbain et du rural. Si Revoir est né de Trying to dance, il est plus qu'une révision, une nouvelle oeuvre à part entière proposant des images jamais publiées jusqu'alors.

Hajime Kimura et Martin Bogren signeront leurs livres au Plac'Art Photo, 12 rue de L'Eperon tandis que la signature de JH Engström se déroulera à la Galerie Circulation, 5 rue de l'Ancienne Comédie (2 rues derrière)

Le vendredi 11 novembre 2016 à 18h

Ces séances de signature seront également l'occasion de découvrir nos expositions organisée dans le cadre de Photo Saint Germain et consacrée à trois photographes japonais d'Okinawa : Mao Ishikawa, Kenshichi Heshiki et Ryuichi Ishikawa.

 Et à Circulation: Anders Petersen Café Lehmitz revisited

DON'T MISS OUT : 3 BOOK SIGNINGS,

3 news books to discover made by contemporary photographers with sensitive and diversified perspectives :

Path in Between by Hajime Kimura presents personal testimonials about his family and his father, allowing memories to resurface in delicate fleeting shades of hazy greys or sharp contrasts of black and white.

Swedish photographer Martin Bogren offers a lyrical black and white portrait of a contemporary Italia as a tribute to people he met there and places he went through.

JH Engström revisits his work Trying to dance, going back to his negatives made between the mid 1990's and the beginning of the 2000's, between United States and Europe, at the crossroads of urban and rural. Revoir was born from Trying to dance but is more than a revision, it is a completely new book, a singular piece of work showing photographs never published before.

The book signings of Hajime Kimura and Martin Bogren will take place at Le Plac'art Photo, 12 rue de L'Eperon whereas JH Engström will signe his book at Galerie Circulation, 5 rue de l'Ancienne Comédie(2 streets behind)

Friday November 11th at 6pm

These book signings will give you an opportunity to discover our exhibitions, organized as part of the Photo Saint Germain Festival, dedicated to three japanese photographers from Okinawa : Mao Ishikawa, Kenshichi Heshiki and Ryuichi Ishikawa.

Dans le cadre de Photo Saint-Germain,

Nous sommes heureux de vous présenter l'exposition:

OKINAWA : UNE EXCEPTION JAPONAISE

Les îles subtropicales d’Okinawa sont l’une des destinations photographiques incontournables au Japon. Daido Moriyama, Araki, Shomei Tomatsu, Keizo Kitajima …Tous les grands noms de la photographie japonaise se sont rendus sur l’archipel pour y travailler mais malgré cet engouement, peu de photographes originaires d’Okinawa ont été mis en lumière. Cette exposition révèle la richesse artistique de l’île à travers une série de livres rares, de revues et de tirages photographiques de ses plus grands artistes photographes.

Avec une tradition de création artisanale locale perpétuée depuis des générations – en peinture, sculpture, céramique - l’art d’Okinawa se caractérise par sa recherche vers la simplicité et une beauté épurée. Cette tradition artistique forte est liée à la fois à la beauté naturelle du paysage mais aussi à son histoire turbulente depuis l’occupation américaine d’après-guerre jusqu’à aujourd’hui, faisant des îles d’Okinawa un sujet fascinant et complexe.

L’exposition tourne autour de l’émergence de collectifs d’artistes dans le milieu des années 70 notamment avec la revue Bifuu créée en 1985 grâce au photographe Kenshichi Heshiki. Un objet singulier « d’art brut » entièrement fait main avec une couverture illustrée et imprimé sur papier laser, parfois en noir et blanc, parfois en magenta. Pendant 5 ans et 12 numéros, cette revue donnera à voir l’éventail des artistes d’Okinawa dans leur environnement mais également à l’étranger avec le travail de Mao Ishikawa sur Philadelphie connu pour son légendaire travail sur Camp Hansen, portrait de la relation complexe entre les habitants d’Okinawa et les bases militaires américaines.

L’exposition Okinawa une exception japonaise réalisée conjointement avec l’aide de Marc Feustel, auteur et spécialiste de la photographie japonaise éclaire l’histoire Okinawaise des années 70 à nos jours en révélant un visage du Japon étonnant, à la fois fort et tourmenté, encore trop méconnu.

Cette exposition acceuillera les tirages originales de l'époque de Mao Ishikawa et de Kenshichi Heshiki ainsi que les photographies contemporaines de Ryuichi Ishikawa, le tout sera agrémenté d'une multitude de livres de photographies

autour d'Okinawa pour nous éclairer sur cette archipel.

Vernissage le jeudi  3 novembre à partir de 18h.

We are please to introduce you the exhibition:

OKINAWA: A JAPANESE EXCEPTION 

from november 6th to 29th at 12 Rue de l'éperon 75006 Paris.

Opening on thursday 3th at 6 pm

Okinawa : une exception japonaise

The subtropical islands of Okinawa are one of the great photographic destinations in Japan. Daido Moriyama, Araki, Shomei Tomatsu, Keizo Kitajima ... all the leading figures of Japanese photography have undertaken projects in the archipelago. However, despite this list of famous visitors and the growing popularity of Japanese photography around the world, few photographers from Okinawa have been presented on an international stage.This exhibition will reveal Okinawa’s artistic wealth through a series of rare books, magazines and photographic prints by its greatest photographic artists.

With a tradition of local craft perpetuated for generations in numerous fields – painting, sculpture, ceramics – the art of Okinawa is characterized by a search for simplicity, beauty, and the essential. This strong artistic tradition is associated both with the natural beauty of the landscape but also with the turbulent history since the US postwar occupation up until today which make the Okinawan islands such a magnetic and complex subject.

From the mid-1970s Okinawan artist collectives began to emerge, and in 1985 the magazine Bifuu by the photographer Kenshichi Heshiki. An entirely handmade “art brut” object with an original illustrated cover and cheap laser-printed paper, sometimes in black and white, sometimes in magenta, this is a singular object. Over the course of 5 years and 12 issues, this magazine featured work by a broad range of Okinawa artists, both on their native islands and also further afield, such as Mao Ishikawa’s series in Philadelphia which followed on from her legendary work on Camp Hansen, a portrait of the complex relationship between Okinawans and the US military bases and GIs.

Okinawa : une exception japonaise (Okinawa: A Japanese Exception) spans the history of the islands from 1970s to the present day, revealing a surprising new face of Japan, both strong and troubled, which has yet to receive the attention it deserves.

This exhibition is organized in partnership with Marc Feustel, author and expert in Japanese photography. It will include vintage prints by the photographers Kenshichi Heshiki and Mao Ishikawa as well as a selection of books on Okinawa made by Japanese photographers.

Le Plac'art Photo est heureux de vous inviter au lancement du livre de Tomasz Laczny

“Cul de sac” is a book of broken fragments of life. It is a work of fiction which started as a diary and was part of longer on-going project which captured my experiences as a father after the loss of custody of my children. The work is based on personal experiences and tells the story of the children’s disappearance from the father's perspective. But it also shows attempts and failures to reconnect with one’s own life again to start from fresh and find one’s own reality. 

Mercredi 28 septembre à partir de 17H30

En présence de l'artiste.

Le Plac'Art Photo

12 Rue de l'éperon

75006 Paris

 Metro Odeon ou St Michel

Le Plac'art Photo est heureux de vous inviter au lancement du premier livre de photographies de Christian Bragg, intitulé  I wish to see where the winds meet

"Désirer voir où se croisent les vents est un marqueur après un voyage qui prête attention à l'invisibile."

S'il on peut dire qu'il y a peu de vérité aujourd'hui au-delà de notre opinion, comment une image photographique peut-elle nous toucher par sa véracité ? Là n'a jamais été le désir de l'image. Nous avons tous grandi avec l'image et acceptons par habitude que ce que nous voyons soit bien réel. Les cultures tendant à s'homogénéiser, nous reconnaissons unanimement l'authenticité de ce que nous observons. A l'origine, aucune perfection ; seulement une fin.

Autant d'images qui reviennent à la mémoire par bribes au fil du temps. S'efforcer de dissocier la réalité - le temps et l'espace qui lui sont propres - de l'image photographique, retirer ce qui est facilement identifiable par la conscience et laisser substituer suffisamment de fragments pour permettre au subconscient d'exprimer ces récurrences qui font ressurgir notre passé. L'innocence de la mémoire. L'impression de souvenir plus concrète que celle de réalité. L'innocence du regard. 

"Wishing to see where the winds meet is a line after a visual journey heeding to that which would never be seen.

If it can be said that little today is true beyond opinion, then how does a photographic image be honest with its attempt to affect? Image never had any desire to do this. We're all educated in the language of image and can accept through familiarity that which we see as being real. As cultures move to homogenise, so we all in union accept what we see as being authentic. There is no perfection to origin, only an end.

Images that recall fragments of memory that reoccur through time. Trying to disassociate the time and space of actuality from the photographic image, to take away what is easily identifiable by conscious recognition and lay remnants enough for the lower consciousness to emote those reoccurrences that bring us back from later times. What innocence of memory. The sense of memory real beyond the sense of the actual. What innocence at looking."

Christian Bragg

Jeudi 7 avril à partir de 18H

En présence de l'artiste.

[SAVE THE DATE]
Samedi 6 février entre 14h et 19h, pour fêter l'inauguration de l'exposition LABYRINTH de Daido Moriyama à Circulation, venez créer un collage unique intitulé "A LABYRINTH" que vous co-signerez avec l'artiste. Inscrivez-vous en ligne pour obtenir votre heure de passage. Places limitées, premiers arrivés, premiers servis !

Prix: 95€

Inscription en ligne www.placartphoto.fr

Circulation [Gauthier, Kauter, Nagasawa]
5 rue de l'Ancienne-Comédie
75006 Paris

Have a look here: http://placartphoto.com/tag/appropriation

The catalogue was printed and is available on request - there is an interactive catalogue available to browse online

Dans le cadre de Photo Saint-Germain,

nous sommes heureux d'acceuillir Mr Yoshiichi Hara pour sa première visite en France et de montrer son travail

"Stripper Zukan" du 11 au 29 novembre au 12 Rue de l'éperon 75006 Paris.

Vernissage le mardi 10 à partir de 18h.

Depuis 1975, Hara Yoshiichi a produit plus que mille cinq cent photos de stripteaseuses - et Stripper Zukan est considéré comme le point de départ de son grand projet  d'une vie. En 1981, il réalise sa première exposition sur le terme du strip-tease à la "Ginza Nikon Salon Gallery"  Tokyo - il y présente des photos de deux cents stripteaseuses créées après la visite de trois cents et quelques clubs de strip-tease dans la région de Tokyo.  L'année suivante, il publie un livre "Stripper Zukan" qui est uniquement composé de soixante-cinq portraits  de cette série. Ce livre est inspiré de "Storyville Portraits" d'E.J. Bellocq.

On voit immédiatement que chaque portrait du livre provient du club "greenrooms". Ce "greenrooms" fonctionne comme un portail entre la vie banale de stripteaseuses et leur mise en lumière sous les feux des projecteurs. C'était  l'endroit des deux vies le leur de la métamorphose. Malgré la présence du photographe, les femmes de Stripper Zukan ont l'air détendues, innocentes et naturelles - seules  dans leur "greenrooms", protégées du monde extérieur, avec leur vraie personnalité avant de devenir un objet convoitise.

Hara a saisi cet instant derrière la lumière brillante, où chaque stripteaseuse possède sa vie individuelle. Il a reconnu que derrière les poses et les vrais courages de ces femmes, qui utilisaient leur corps pour gagner de quoi vivre, mêlant ainsi la vie ordinaire et leur rêve.

Extrait du texte de Natsuko Oda

We are please to receive Mr Yoshiichi Hara for his first visit in France and show his work "Stripper Zukan"

from november 11th to 29th at 12 Rue de l'éperon 75006 Paris.

Opening on tuesday 10th at 6 pm

Since 1975 Yoshiichi Hara has made more than fifteen hundred photographs of strip-tease artists – and Stripper Zukan is regarded as the starting point of this lifelong project.  In 1981 Hara held his first 'stripper' exhibition at the Ginza Nikon Salon Gallery in Tokyo – featuring the photographs of two hundred strippers created after visiting some three hundred Tokyo-area strip clubs.  The next year he published Stripper Zukan, which comprised of only sixty-five portraits from that series, a book inspired by E.J. Bellocq’s Storyville Portraits .

One immediately sees that each of the book’s portraits is from the clubs’ 'greenrooms'. The greenroom functions as a portal between the stripper’s often-mundane life and the bright stage-lights – a place where a woman metamorphoses into a stripper. Despite the photographer’s presence the women of Stripper Zukan appear relaxed, innocent, and defenseless – alone in their greenroom, protected from the outside world, their true selves before becoming fantasy objects.

Exposition Joaquin Collado "Dirección Prohibida" 

Du 16 octobre au 07 novembre 2015

Vernissage le jeudi 15 octobre à partir de 18H.

1972. Dimanche ensoleillé. Onze heures et demie du matin. Le Barrio Chino de Valence, en plein cœur de la ville.
Les piétons occupent la rue. C’est un lieu très passant et très sombre, où cohabitent prostituées et maquereaux, commer- çants, musiciens ambulants et artisans. Un lieu d’agitation
et de mouvement où des curieux et des fouineurs de tout poil viennent se rincer l’oeil et satisfaire leurs besoins sexuels.

C’est un jour de fête, la Fête des Pères, et les hommes se pressent sur les trottoirs, en suivant d’un regard concupis- cent les corps voluptueux qui s’exhibent sous les arcades. Joaquin Collado est venu dans ce lieu pour rendre témoignage avec son appareil de cette atmosphère lubrique et vorace.
Il sait bien qu’à cette heure-là, les quatre rues vieilles et sales qui constituent le centre pervers de la ville seront pleines d’individus guettant l’arrivée du printemps de la chair. Il se promène discrètement, faisant mine d’être un touriste, cachant le Nikon FTN qu’il porte pour que les gens ne s’aper- çoivent pas qu’il est venu leur voler un morceau de leurs vies secrètes. Tout en se déplaçant, il tousse afin de dissimuler
les discrètes détonations de son appareil, et il essaye de ne rien manquer des détails de ce spectacle humain.

Agé de 42 ans, Collado est un photographe amateur qui s’est rendu dans la zone interdite avec des intentions très claires. Il ignore qu’auparavant, d’autres photographes ont déjà fait la même chose à Paris (Brassaï) ou à Barcelone (Joan Colom). 

Ce n’est pas grave. Son regard est original. En 1972, Collado vit la ville en authentique flâneur, en « fouleur d’asphalte » qui explore avec son appareil des histoires à raconter.

La ville de Valence est enlisée dans la léthargie de la fin d’une dictature qui ne dure que trop et qui réprime le développement culturel du pays. La photographie a vécu pendant les années 1940 et 1950 sur un pictorialisme esthéti- sant, sur l’exaltation de la beauté. Cependant, de nouveaux photographes ont surgi qui, dans la décade des années 60, ont constitué une jeune génération de créateurs en rupture avec cette tendance. Pas d’unité esthétique chez ces photo- graphes, mais une même vitalité dans l’attitude. Tous ont été influencés par le Néoréalisme italien, et font partie d’un réseau d’associations photographiques qui reçoivent régulièrement les revues et les annuaires internationaux de photographie,

et qui mettent leurs membres en lien avec ce qui se passe dans d’autres pays : Cartier Bresson, Robert Doisneau, Eugène Smith, Robert Franck, William Klein, Irving Penn, ou encore des expositions ponctuelles comme The Family of Man, impliquent déjà un élargissement des perspectives et une orientation nouvelle vers d’autres manières de voir.

Partant de sa position de photographe autodidacte, Joaquin Collado fait partie de ce mouvement rénovateur, dont le regard se teinte de connotations anthropologiques et humanistes.
On peut comprendre son œuvre comme un essai visuel sur
la ville et ses habitants, un exercice de mémoire collective et de rencontre de l'autre.

Texte d'Armand Llàcer

Nous sommes heureux d'acceuillir Mr Yamawaki qui montrera des tirages argentiques noir et blanc et quelques tirages ilfochrome couleur. 

Dimension of Vision:

L’année 2011, l’année du Tsunami est devenue une année qui m’a fait réfléchir.

L’impact impitoyable m’a donné l’occasion de regarder à nouveau les choses qui se passent quotidiennement, et en même temps, a eu pour conséquence de m’inciter à reconsidérer la manière de capturer des éléments en photographie.

Dimension – dans le sens qui peut signifier une façon de penser, un point fondé, on questionne la représentation et la réplique du sujet photographique, avec la problématique de l’interprétation des éléments de la photographie. C’est au moment ou on fait apparaître des images potentielles qu’on peut en extraire des idées ou des pensées, c’est mon approche pour ce thème.

Par exemple, dans le monde de la musique, par une suite de différentes interprétations, le même morceau peut sonner autrement. Cela peut être possible car chaque compositeur a sa propre façon de restituer la musique.

L’objectif de cette série est de multiplier les diversités assimilées à un objet par différentes interprétations pour constituer une représentation du monde dans un ensemble.

J’ai résumé les éléments au minimum pour les photographier en noir et blanc, j’ai essayé de métamorphoser les images par la couleur. Spécialement pour les photos en couleur, je les ai juxtaposées dans l’intention de recréer de nouvelles relations par la liaison déjà faite entre les photos. Je suis heureux si la résonnance qui est faite par le décalage entre les images peut faire ressentir la profondeur de cette relation.

Toshitsugu Yamawaki 

We are pleased to receive Mr Yamawaki who will show some black and white gelatine silver prints and some color prints ilfochrome.

Dimension of Vision:

2011, when the Tsunami happened, marked a year of reflection for me. 

This merciless impact gave me the opportunity to give a fresh look on things appearing in everyday life and as a consequence encouraged me to reconsider the way we capture what we see, particularly in photography.

Dimension – in the meaning of the thought, a groundwork we are looking for to interrogate the representation and the replica of a subject in photography; led by the main question: how to interpret things in photography? In this way we create images from which relevant ideas or thoughts might be extracted.

For instance, in music world, a same sound can change with different interpretations. This because each composer has his own way to play a piece of music.

The purpose of this serie was to multiply the ways we can see something by several photographic representations in order to create a representation of the world as a whole.

The black and white photographs are reduced to a strict minimum. Then I tried to transform some of my pictures by using color. I juxtaposed the color images to create unexpected reasonance between them helped by the link I had already tried to make before. I am happy if the way photographs connect with each other translates this profound link between them.

Toshitsugu Yamawaki

We will be exhibiting at The London Photograph Fair : Special Edition

Saturday & Sunday 23 & 24 May, 2015
Two Temple Place, Embankment, London WC2 3BD

Collectors Preview Ticket:
Saturday 23 May, 11am-1pm
(Also includes entry for both days of fair)
Ticket £25

General Admission Ticket:
Saturday 23 May, 1pm-8pm
Sunday 24 May 10am-5pm
Ticket £10 per day

Tickets include entry to Julia Margaret Cameron exhibition and talks.

More infos at photofair.co.uk.

Some images from the opening, Paris, April 29, 2015.

12 rue de l'Eperon
75006 Paris
France

Fixe : +33 (0) 1 43 25 15 11 
Portable : +33 (0) 6 27 13 83 23

Clément Kauter :
clement@placartphoto.fr
日本語メール :
nobue@placartphoto.fr

Nous vous attendons mardi 11 novembre pour commencer cette semaine intense avec l'exposition
de Leo Kandl.
Pendant huit ans le photographe a réalisé des clichés des habitués d'un troquet Viennois. Il en résulte une série de portraits témoignant de ce lieu de vie qu'était
le café entre les années 77 et 84.
Pour cet événement, le Plac'Art revêtira son tablier
de tavernier et vous servira avec plaisir une vingtaine
de photographies d'époque réalisées par l'artiste

LE PLAC'ART Présente Révolte Une exposition
du 12 avril au 03 Mai autour de mai 68
Vernissage le vendredi 11 à partir de 18h00
Au programme affiches, sérigraphies et tracts
d'époque ainsi que de nombreuses photographies relatent de ce fait historique si actuel…
Conjointement à cet événement une présentation
et un catalogue sur les livres de contestations des années 60-70 à travers le monde seront disponibles

Selected links:

http://www.viennaphotobookfestival.com

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si le nom de la boutique est un clin d’oeil à son exiguïté, sa graphie rectifie les données : c’est d’un placard aux merveilles qu’il s’agit. Le long de ce ‘couloir d’art’ - la boutique est construite tout en longueur - les étagères regorgent de trésors: livres épuisés collectés précieusement, éditions originales, revues d’art anciennes, catalogues d’exposition, affiches rares ou autres curiosités… [à dénicher d’occasion pour la plupart]. Ce lieu atypique est vivant est né d’une véritable passion du propriétaire, qui souhaite ‘mettre l’accent sur l’image, qu’elle nous raconte une histoire, nous émeuve ou nous choque, qu’elle soit le témoin d’un instant figé ou celui de l’intemporel’.